Chunibak's Landscape Paintings Created on the Road of Journeys / Contribution to the Presidential Council on Nation Branding
2026-06-05
여행의 길 위에서 만들어진 추니박의 산수화 (The Landscape Paintings of Chuni Park: Forged Along the Paths of Travel)
유년의 기억과 여행이 가져다준 회화적 상상력 나의 고향은 사면이 온통 산으로 둘러싸인 충청북도 영동의 깊은 산골 마을이다. 어린 시절, 나는 무려 12km나 떨어진 초등학교를 가기 위해 험한 산을 넘나들며 걸어 다녀야 했다. 당연히 장난감 같은 것은 가져본 적이 없었다. 산과 들을 거침없이 뛰어다니며 노는 것이 내 삶의 가장 큰 즐거움이었다. 냇가에서 물고기를 잡고 야산을 누비며 토끼를 쫓았고, 겨울이면 썰매를 타고 봄가을이면 연날리기와 활쏘기, 머루와 산딸기를 따러 다니는 일이 일상의 전부였다. 초등학교 5학년 말에 서울로 전학을 온 후 고등학교를 졸업할 때까지, 나는 서울의 도시적 삶과 고향의 시골 풍경을 끊임없이 오가는 유년기를 보냈다. 오늘날 내 회화가 대자연을 모티브로 삼으면서도, 동시에 설치 미술이나 도시적인 오브제를 통해 재현되는 바탕에는 유년 시절의 야생적 기억과 서울에서의 현대적 경험이 자연스럽게 절충되어 나타나는 현상일 것이다.
나는 여행을 깊이 사랑한다. 여행을 통해 인생을 배우고, 세상의 이치를 깨달으며, 새로운 문화를 익힌다. 그리고 낯선 지역의 사람들과 끊임없이 소통하려는 예술적 의지를 키워나간다. 지난 시간 동안 나는 인도 전역을 수차례 배낭여행 했고, 히말라야와 안나푸르나, 중국의 차마고도, 남미의 여러 나라와 미국, 그리스, 일본 등을 깊숙이 탐험했다. 한국의 아기자기하고 섬세한 풍경에 길들여져 있던 나에게, 대륙의 광활한 스케일을 마주하는 여행은 전혀 다른 차원의 상상력을 자극하는 결정적 계기가 되었다. 또한 예술가가 상상하는 모든 것이 이미 세상 어딘가에 실재한다는 경이로운 사실도 깨닫게 되었다. 그 깨달음 덕분에 나의 회화적 상상력은 더욱 자유롭고 유쾌해질 수 있었다.
뉴욕 첼시에서의 깨달음과 모필 사생의 시작 대학과 대학원 시절, 나는 인물화에 깊이 심취해 있었다. 졸업 후 몇 년 동안은 인간 무의식의 세계와 현대 사회가 직면한 다양한 문제들—환경, 전쟁, 종교, 그리고 혼돈—을 주제로 무겁고 진지한 연구를 이어갔다. 당시의 작업은 한국 전통 회화의 정체성에 대한 고민과 결부되어, 기존의 조형 양식과 도식을 정면으로 거부하고 파괴하는 거침없고 강렬한 표현법으로 분출되었다.
내가 본격적으로 한국화의 본질적인 매개체에 깊은 관심을 가지게 된 결정적 계기는 2001년 봄, 뉴욕 여행이었다. 당시 국내 개인전을 마치고 액자에서 분리해 돌돌 말아 넣은 40여 점의 한지 작품을 들고 무작정 뉴욕 첼시로 향했다. 2주 동안 뉴욕에 머물며 수많은 갤러리를 방문해 내 그림에 대한 냉정한 크리틱을 부탁했다. 수많은 큐레이터들과 이야기를 나누며 흥미로운 사실을 발견했다. 그들이 가장 많이 던진 질문은 역설적이게도 "유럽에서 미술을 공부했느냐"는 것이었다. 그리고 내 작품 중에서 오직 먹(Ink)으로만 그어 내린 선(Line)들에 대해 "매우 독특하고 매력적이다"라는 찬사를 보냈다. 내가 '새로운 현대 회화'라고 자부하며 발표했던 거친 실험들은 서구인의 눈에 그저 유럽 회화의 아류처럼 보였을 뿐이었고, 오히려 내가 당연하게 여겼던 한국화 붓의 정직한 필선들이 뉴욕의 큐레이터들에게는 가장 독창적인 예술로 다가갔던 것이다. 이 경험은 나에게 거대한 예술적 각성을 안겨주었다.
2002년부터 나는 오직 '그림을 위한 여행'을 본격적으로 감행하기 시작했다. 주말마다 한국의 전역을 안 간 곳이 없을 정도로 샅샅이 누비며 모필(붓) 사생에 매진했다. 일주일, 때로는 한 달 동안 오로지 들판과 산천을 돌아다니며 자연의 실물을 사생했고, 그것을 작업실로 가져와 다양한 형식과 주제로 새롭게 창조하며 꾸준히 작품을 발표했다.
전통의 파괴와 확장: 추니박의 산수 연작들 인간의 스러져가는 기억을 탐구한 ‘흐린 풍경’은 아주 묽은 먹물만을 겹겹이 쌓아 올려 아스라한 풍경을 만든 뒤, 그 위에 선명한 인간의 형상을 그려 넣는 방식이다. 검은 먹의 순수한 에너지만을 사용한 ‘검은 풍경’은 하늘과 맞닿은 언덕 위의 나무와 길을 통해 아련한 유년의 기억과 향수를 자극한다. ‘낯선, 어떤 풍경’은 가늘고 긴 필선들이 화면 위를 자유롭게 유영하는 가운데, 오늘날 한국 사회의 헤드라인 뉴스를 암각화처럼 바위에 새겨 넣거나, 그림을 그리다 문득 먹고 싶었던 수박이나 바나나 같은 이질적인 오브제를 배치하여 엉뚱하고 유쾌한 상상력을 발휘한 작업이다.
그 외에도 과거와 현재, 전통과 미래, 동양과 서양의 의식과 문화가 자연스럽게 순환하며 소통한다는 의미의 ‘흐르는 풍경’, 원시 인류가 채집한 식량을 창고에 보관하듯 화가가 자연에서 발견한 아름다운 조형적 이미지를 수집해 의식의 창고에 저장한다는 의미의 ‘채집된 산수’, 그리고 이러한 다양한 주제의 정수를 모아놓은 ‘산수 컬렉션’을 선보였다.
더 나아가 전시장 바닥 전체에 라면을 깔아 산맥의 형상을 만든 ‘라면 산수’, 고무판을 잘라내어 전통 붓의 필선처럼 구현한 ‘고무 산수’, 칠판 위에 분필로 그려 언제든 지워낼 수 있는 무소유의 미학을 담은 ‘칠판 산수’ 등을 발표하며 전통의 경계를 확장해 왔다.
특히 한국의 자연은 거대하고 압도적이진 않지만, 지극히 섬세하고 아기자기한 독창적 멋을 지니고 있다. 바위의 표면은 수려하고 결과 결 사이의 디테일이 살아있어, 이를 그리고 감상하는 데 지루함이 없다. 그러한 한국적 바위를 사생하며 태어난 설치 미술이 바로 절벽을 배경으로 한 ‘낯선, 어떤 풍경’이며, 제주도의 오름(화산산)에서 내려다본 평화로운 들판을 뽀글뽀글한 라면의 조형적 선을 이용해 전시장 전체에 재현해낸 설치 작업이 바로 ‘라면 산수’다.
가장 최근에는 한국과 세계의 오지를 여행하며 직접 수집한 수많은 돌 위에 미세한 드로잉을 새겨 넣은 ‘수집된 돌’, 일회용 비닐봉지를 겹겹이 쌓아 거대한 산맥을 이룬 ‘비닐 산수’, 그리고 히말라야 트레킹 중 목격했던 장엄한 폭포의 청각적·시각적 전율을 전시장 안에 그대로 재현해낸 ‘폭포’ 등의 작업을 이어오고 있다.
세계와 소통하는 독특한 한국 회화의 매력 한국의 문화는 중국, 일본의 문화와 분명히 구별되는 독자적인 매력과 깊이를 지니고 있다. 이는 우월함의 문제가 아니라 고유한 '독특함'의 가치다. 오늘날 서구 문화와 동양 문화가 적극적으로 융합되는 흐름은 지극히 자연스러운 현상이지만, 한국이 지닌 고유한 정서와 전통 미학은 더욱 깊이 연구되고 발전되어야만 비로소 세계인들에게 진정성 있게 환영받을 수 his다.
나는 한국 전통 회화의 본질적인 재료인 붓과 한지, 그리고 먹을 사용하는 화가다. 그러나 나는 박제된 전통에 머물지 않는다. 우리 주변에서 흔히 발견할 수 있는 현대적 재료들을 과감히 끌어들여 다채로운 실험을 병행함으로써, 대중들의 의식에 새로운 발상의 전환과 예술이 주는 본질적인 즐거움을 전하고자 노력한다. 또한, 여행을 통해 세계인들과 자연스러운 우정을 나누고 그들의 문화를 깊이 이해하고자 힘쓰고 있다. 나는 한국의 예술가로서, 세계인이 깊이 공감할 수 있는 한국 회화만의 독특하고 독창적인 매력을 알리기 위해 앞으로도 나의 즐거운 인생 여행을 멈추지 않을 것이다.
독특한 아름다움이 있는 한국화를 눈여겨보시고 사랑해 주시길 바란다.
- /2011.4 추니박
English
The Landscape Paintings of Chuni Park: Forged Along the Paths of Travel
Childhood Memories and the Pictorial Imagination Born of Travel My registered birthplace is a remote mountain village in Yeongdong, Chungcheongbuk-do, a place entirely enclosed by peaks. During my childhood, I had to trek across rugged mountain paths to attend an elementary school located a staggering 12 kilometers away. Naturally, toys were a luxury I never possessed. Running freely through the mountains and open fields was the greatest joy of my life. Catching fish in the streams, chasing rabbits across the hills, sledding in the winter, and flying kites, shooting arrows, or gathering wild berries in the spring and autumn constituted the entirety of my daily life. Moving to Seoul at the end of my fifth-grade year, I spent my youth constantly oscillating between the urban landscape of the capital and the rural scenery of my hometown until high school graduation. The fact that my current paintings utilize grand nature as a motif, yet are simultaneously recreated through installation art and contemporary urban objects, is a natural synthesis of my feral childhood memories and my modernized experiences in Seoul.
I possess a profound love for traveling. Through journeys, I study life, grasp the laws of the universe, internalize diverse cultures, and cultivate an artistic resolve to continuously communicate with people from unfamiliar regions. Over the past decades, I have backpacked through the entirety of India multiple times, and deeply explored the Himalayas, Annapurna, the Ancient Tea Horse Road in China, various nations in South America, the United States, Greece, and Japan. To an artist like me, who was deeply habituated to the charming, intricate landscapes of Korea, encountering the vast, monumental scale of the continents served as a crucial turning point that triggered an entirely different dimension of imagination. Furthermore, I came to realize a wondrous truth: everything an artist imagines already exists somewhere in reality. Thanks to this realization, my pictorial imagination became infinitely more liberated and playful.
The Awakening in Chelsea, New York, and the Inception of On-Site Sketching During my undergraduate and graduate years, I was profoundly absorbed in figure painting. For several years following graduation, I rigorously researched the world of the human subconscious and the complex crises confronting contemporary society—such as environmental degradation, war, religion, and chaos. These early works, intertwined with a deep agony over the identity of traditional Korean painting, manifested as an uncompromising, fierce mode of expression that flatly rejected and dismantled conventional formal aesthetics.
The definitive turning point that directed my focus toward the core materiality of Korean ink painting occurred in the spring of 2001, during a trip to New York. Having wrapped up a solo exhibition in Korea, I took approximately 40 works executed on hanji (traditional mulberry paper)—carefully unmounted from their frames and rolled up—and headed straight for Chelsea, New York. For two weeks, I visited countless galleries, requesting cold, objective critiques of my work from curators. Engaging in dialogues with them revealed a striking paradox. The question they posed most frequently was, "Did you study art in Europe?" Concurrently, they expressed profound fascination and praise for the raw lines I had struck exclusively using traditional ink (meok), describing them as "exceedingly unique and captivating." The aggressive experiments I had proudly unveiled as 'cutting-edge contemporary painting' appeared to Western eyes as mere derivatives of European modernism; conversely, the honest brushstrokes of the Korean calligraphic brush—something I had taken completely for granted—struck the New York curators as the most original art. This experience brought about a massive artistic awakening within me.
Beginning in 2002, I launched into 'journeys explicitly dedicated to painting.' Every weekend, I scoured the Korean peninsula so thoroughly that there was virtually no region left unvisited, devoting myself entirely to on-site sketching using the traditional ink brush (mopil sasaeng). For weeks, and sometimes an entire month, I wandered through wild fields and mountain ranges to sketch directly from nature. I brought these raw visual records back to my studio, reconstructing them into new thematic concepts and structural formats, and consistently presented them to the public.
Dismantling and Expanding Tradition: The Landscape Series of Chuni Park Exploring the ephemeral nature of human memory, "The Faded Landscape" series utilizes layers of extremely diluted ink to construct a hazy, spectral landscape, upon which sharp, definitive human figures are painted. "The Black Landscape," executed using the pure, unadulterated energy of dense black ink, evokes a poignant sense of childhood memory and nostalgia through paths and trees stretching toward the horizon where the land meets the sky. In "An Unfamiliar Landscape," thin, elongated brush lines float freely across the composition, while contemporary Korean headline news is carved into painted boulders like prehistoric petroglyphs, and unexpected motifs—such as watermelons or bananas that I craved while painting—are juxtaposed to unleash a whimsical and witty imagination.
Furthermore, I introduced "The Flowing Landscape," which symbolizes the organic circulation and communication between past and present, tradition and future, and Eastern and Western consciousness. This was accompanied by "The Collected Landscape," a conceptual series wherein the artist gathers beautiful formal images from nature and preserves them in the storehouse of consciousness, much like primitive humans storing gathered food. The essence of these diverse thematic explorations was brought together in "The Landscape Collection."
Pushing the boundaries of tradition into the realm of contemporary installation, I unveiled "The Instant Noodle Landscape," where thousands of uncooked instant noodles (ramyeon) were laid across the entire gallery floor to form rolling mountain ranges; "The Rubber Landscape," featuring cut rubber strips that mimic the fluid strokes of an ink brush; and "The Blackboard Landscape," an exploration of the aesthetics of non-possession, where landscapes are drawn with chalk and can be wiped away instantly.
The nature of Korea is not monumentally grand, yet it possesses an exquisitely delicate and charming aesthetic. The stone surfaces are remarkably beautiful, with intricate grains that ensure the viewer never tires of examining them. The installation piece "An Unfamiliar Landscape," framed against a massive cliffside backdrop, was born directly from sketching these Korean rocks. Similarly, "The Instant Noodle Landscape" recontextualized the peaceful fields of Jeju Island—as viewed from its volcanic cones (oreum)—recreating the topography through the curly, organic lines of instant noodles spread across the exhibition space.
My most recent works include "The Collected Stones," an installation composed of numerous stones gathered during my travels to remote regions of Korea and the world, each engraved with microscopic drawings; "The Plastic Landscape," which stacks disposable plastic bags to forge a colossally undulating mountain range; and "The Waterfall," an installation that recreates inside the gallery walls the visceral auditory and visual shock of a waterfall I witnessed while trekking through the Himalayas.
The Unique Allure of Korean Painting Communicating with the World The culture of Korea possesses a distinct allure, depth, and character that clearly differentiates it from those of China and Japan. This does not imply a matter of cultural superiority, but rather the invaluable worth of cultural uniqueness. In our contemporary era, the active fusion and intersection of Western and Eastern cultures is a thoroughly natural phenomenon. However, the intrinsic emotional sensibility and traditional aesthetics of Korea must be researched and evolved even more deeply to be received by global audiences with absolute authenticity.
I am an artist who paints utilizing the core traditional materials of the East: the brush, hanji, and ink. Yet, I refuse to remain confined within a fossilized definition of tradition. By boldly integrating contemporary materials easily found in our everyday surroundings and executing diverse, parallel experiments, I strive to offer the public a shift in perspective and the essential joy of artistic discovery. Furthermore, through my travels, I endeavor to forge organic friendships with global citizens, deeply understanding and learning from their cultures. As a Korean artist, I will continue my joyful lifelong journey to amplify the singular, highly original charm of Korean painting—an aesthetic that resonates profoundly with audiences worldwide.
I invite you to take a close look at and embrace Korean painting, which carries its own unique and remarkable beauty.
April 2011, Chuni Park