A Record of Landscapes Scattered, Broken, and Remembered / 2023 Gallery Sanchon Foreword
2026-06-05
흩어지고 부서지고 기억되는 풍경에 관한 기록 (Records of Landscapes: Scattered, Broken, and Remembered)
자연을 관찰하는 일과 길의 미학 나는 풍경을 오랫동안 가만히 들여다보고 깊이 관찰하는 것을 좋아한다. 길을 걷다 걸음을 멈추고 나무와 잎이 빽빽하게 들어찬 숲을 묵묵히 시선에 담는 일은 나에게 지극히 자연스러운 일상이다. 차를 몰아 여행을 다니다가도 마음을 움직이는 풍경을 만나면 어김없이 차를 세우고 한참 동안 그곳에 머문다. 그냥 스쳐 지나갈 수 있는 풍경을 붙잡아 산의 생김새, 능선이 그리는 아름다운 곡선, 그리고 나무와 덩굴이 뒤엉켜 만들어낸 특이한 형태나 조형적 패턴을 찾아 즐기는 행복을 결코 놓치지 않는다. 이렇듯 시간을 들여 자연을 관찰하는 행위는, 풍경을 그리는 나에게 회화적 영감을 얻는 가장 숭고한 실천이다.
나는 풍경 속에 '길'을 그려 넣는 것을 좋아한다. 인간이 자연을 찾아 발걸음을 옮기기 시작한 이래로, 모든 풍경에는 저마다의 길이 생겨났다. 그 길을 따라가다 보면 누군가 머물렀던 삶의 흔적을 발견하게 된다. 그러므로 풍경에 길을 그리는 일은 그 자체로 인간의 역사와 존재를 그리는 일이기도 하다. 길의 어딘가에는 여전히 온기가 남아있는 집이 있거나, 혹은 사람이 떠나버린 빈 집과 터들이 아련한 흔적으로 남아있다. 그렇기에 길을 그리는 작업은 풍경화를 단순히 자연의 재현에 머물게 하지 않고, 인문학적 사고로 바라보게 하는 깊은 힘을 부여한다.
사계절의 변화와 세 가지 작업 방식 나는 시간의 흐름과 계절의 변화를 따라 자연을 그리는 풍경화가다. 한국의 기후는 뚜렷한 사계절을 지니고 있기에, 그 역동적인 변화를 쉼 없이 화면으로 옮기는 과정에서 나는 자연스럽게 다양하고 독창적인 스타일의 풍경화를 구축하게 되었다. 각기 다른 계절의 호흡을 그리다 보면, 그 계절의 본질을 표현하기 위한 나름의 화법을 스스로 터득하게 된다. 이는 풍경을 바라보는 내 시선이 그만큼 다각화되었다는 증거이며, 그 다양성의 깊이만큼 여러 스타일의 연작(Series)을 동시에 전개할 수 있는 원동력이 되었다.
모든 경험과 기억은 무정한 시간 앞에서 결국 부서지고, 흩어지고, 흐려지기 마련이다. 어떤 굳은 결심으로 어느 날 목격했던 감동적인 아름다움을 영원히 기억하려 애쓴다 해도, 그것을 시간이 지난 후 온전히 생동감 있게 복원해내는 일은 결코 쉽지 않다. 심지어 어떤 경우에는 스케치북에 남긴 드로잉을 다시 들여다보아도 그 장소에서 느꼈던 생생한 전율이 전혀 기억나지 않을 때도 많다. 이처럼 기억은 시간의 유한성과 매우 밀접한 관계를 맺고 있다. 그러나 역설적으로, 어떤 강렬한 경험이 시간에 의해 아련한 추억으로 숙성되었을 때 화가의 그림은 더욱 깊어지고 성숙해진다.
그래서 나는 현장에서 온전히 완성하는 작업, 현장에서 사생(寫生)을 한 뒤 작업실로 돌아와 완성하는 작업, 그리고 오롯이 작업실 안에서 내면의 기억만으로 완성하는 작업이라는 세 가지 방식을 엄격히 구별하여 꾸준히 병행해오고 있다. 이 세 가지 방법론은 내가 자연을 관찰하고, 해석하며, 나아가 새로운 예술로 재창조하는 것을 가능하게 만든다. 특히 현장에서 얻었던 생생한 날것의 감각과, 희미해진 기억을 더듬어 새롭게 상상하고 재해석하는 교차점에서 나의 표현력은 더욱 극대화되며 비로소 가장 '나다운' 회화에 도달하게 된다.
전통과 현대의 공존, 그리고 위안 나는 겹겹이 겹쳐진 두꺼운 한지 위에 동양적 시각에 기반을 둔 필법(筆法)과 구도를 세우고, 서양 현대미술이 추구하는 평면성과 과감한 채색을 적극적으로 수용하며 전통과 현대의 경계를 자유롭게 넘나드는 작업을 이어오고 있다.
이번 전시에 선보이는 작품들은 지난 2년여 동안 현장의 거친 숨결과 작업실의 고요한 사유를 오가며 치열하게 완성해낸 결과물들이다. 어떤 작업에는 현장 사생 특유의 가공되지 않은 리얼리티가 살아있고, 어떤 작업에는 엄연한 사실과 주관적 추상이 긴밀하게 결합되어 있으며, 또 다른 작품들은 온전히 마음속 상상이 빚어낸 이상향의 풍경으로 다가가기도 한다. 나는 이 다채로운 스펙트럼의 작품들을 통해, 궁극적으로 관람객들에게 삶의 따뜻한 위안과 마음의 치유(Healing)를 전달하고자 한다./추니박
English
Records of Landscapes: Scattered, Broken, and Remembered
The Observation of Nature and the Aesthetics of Paths I possess a deep-seated passion for gazing at landscapes over extended periods and observing them with profound intimacy. Halting my steps along a path to quietly immerse my vision in a forest dense with trees and foliage is, for me, a completely natural daily ritual. Even while driving on a journey, whenever I encounter a scenery that resonates with my soul, I invariably pull over and remain there for a long time. I refuse to let go of the fleeting joy of seizing landscapes that others might simply pass by—discovering the structural form of a mountain, the exquisite contour of a ridge, and the peculiar shapes or organic patterns woven by the entanglement of trees and vines. Thus, taking the time to deeply observe nature is the most sacred practice through which I, as a landscape painter, derive my artistic inspiration.
I am particularly fond of painting paths within landscapes. Ever since humanity first ventured out to seek nature, every landscape began to carve out its own paths. Following these paths allows one to discover the traces of human lives once lived; hence, the act of painting a path within a landscape is, in essence, the act of painting humanity itself. Somewhere along those paths, one encounters a house still holding onto its warmth, or the poignant remnants of abandoned homes and vacated sites. Consequently, rendering these paths endows my landscape paintings with the power to be interpreted through the lens of humanistic philosophy, rather than existing merely as simple replications of scenery.
The Shift of Seasons and Three Methodologies of Work I am a landscape painter whose oeuvre captures nature along the fluid currents of time and the transition of seasons. The climate of Korea is blessed with four distinct seasons. In the process of tirelessly translating these dynamic shifts onto the canvas, I have naturally developed diverse and distinct stylistic approaches to landscape painting. As I render the unique breath of each contrasting season, I intuitively master the specific pictorial vocabulary required to express its core essence. This naturally reflects the multi-faceted nature of the gaze with which I perceive the world, and it has provided the vital energy that allows me to concurrently develop multiple serial concepts corresponding to that thematic diversity.
All human experiences and memories eventually break apart, scatter, and fade under the relentless weight of time. Even if one strives with iron resolve to preserve the overwhelming beauty witnessed on a particular day, resurrecting that emotion with its original, vivid vitality after time has passed is an immense challenge. There are even instances where, upon revisiting the drawings in my sketchbook, the immediate electricity of that specific place eludes my memory entirely. In this regard, memory shares an inextricably close relationship with time. Yet paradoxically, when a raw experience is allowed to mature through time into a distant, poignant memory, the painter's work attains a deeper level of resonance and maturity.
For this reason, I have rigorously maintained and balanced three distinct methodologies in my practice: working entirely on-site (sasaeng), initiating the work on-site and finalizing it within the quietude of the studio, and constructing the painting exclusively inside the studio from internal memory alone. These three approaches enable me to observe, interpret, and ultimately recreate nature as a newly imagined artistic reality. Particularly at the intersection where the raw, immediate vitality captured on-site meets the process of reconstructing and reimagining through faded memories, my expressive power is heightened to its absolute peak, leading me to a style of painting that is most authentically my own.
The Intersection of Tradition and Modernity, and Consolation Upon layers of thick, multi-ply hanji (traditional Korean mulberry paper), I employ brush techniques (pilbeop) and compositions rooted in Eastern perspectives, while actively integrating the flatness and bold colorations pursued in Western contemporary art. Through this synthesis, my work continually traverses the boundaries between tradition and modernity.
The artworks presented in this exhibition are the tangible fruits of the past two years, forged through a relentless movement between the untamed breath of the field and the contemplative silence of the studio. Some pieces pulse with the unvarnished reality of direct on-site painting; others manifest a tight synthesis of objective reality and subjective abstraction; still, others unveil themselves as utopian landscapes born entirely of internal imagination. Through this varied spectrum of works, the ultimate message I wish to convey to the viewer is a sense of profound consolation and spiritual healing./Chuni Park